"PAGÓ SUS DEUDAS Y SIGUIÓ PINTANDO" - AM NY
Sigo las normas del automatismo.
También se le llama dibujo psíquico puro o pintura psíquica pura.
"SCOOTER LAFORGE RELANZA SU CARRERA
CON LA ROPA COMO MEDIO ARTÍSTICO"
Aprendí de André Breton,
pionero del dadaísmo y del surrealismo.
El automatismo es el dibujo psíquico puro.
No piensas lo que estás haciendo, lo haces y ya está.
Tratas de dejar la mente en blanco y no pensar.
Dejas que las manos actúen solas.
Lo siguieron Jackson Pollock, André Breton y Max Ernst.
Muchos eran surrealistas.
Es como pintar en la oscuridad o con los ojos tapados.
DISEÑO DE LAFORGE
"ME ENCANTA SCOOTER LAFORGE” -HUFFPOST
Cuando salgo del ascensor,
hay un mantra que se repite en mi cabeza: "Haz el idiota, haz tonterías".
Sin darle tantas vueltas.
Me digo: "Haz el idiota, haz tonterías", mientras voy en el ascensor.
"ATREVIDO Y EXTRAVAGANTE, TIERNO Y CONTUNDENTE"
Después de dejar la mente en blanco, dejas que actúe el subconsciente
y sales del cuerpo físicamente.
Esto te abre a tener ideas nuevas y aprender cosas.
"TACTO Y GUSTO - ARTE QUE CAPTURA EL MOMENTO"
¿QUIÉN SOY?
Me llamo Scooter LaForge.
Soy de una ciudad de Nuevo México que se llama Las Cruces,
allí fue donde nací y me crie.
Mi padre es mexicano y mi madre, irlandesa.
Los dos son artistas.
Crecí en una atmósfera muy jovial.
En el típico barrio residencial,
donde jugaba en la calle con mis amigos del barrio.
A mi padre le encantaba pintar.
Construyó su casa,
que está hecha de adobe con balas de paja.
Trabajó toda la vida de administrador en el sistema educativo.
Fue director y después superintendente.
Los dos son académicos por convicción.
Mi madre también es muy creativa. Es intérprete, actriz y cantante.
Algunos amigos me visitan
y hacemos proyectos artísticos, como el decoupage.
Siempre teníamos libros y, por supuesto, siempre había música.
Recuerdo que cuando hacía obras de arte, estaba solo en su habitación.
En su casita.
Yo entraba a escondidas y miraba sus cosas.
En la basura encontraba cosas con las que hacía joyas.
Tenía lápices de colores, libros para pintar y mezclaba cosas.
La creatividad influyó mucho en la forma en la que me criaron.
Cada día nos sentábamos y leíamos una hora.
Planeábamos lo que haríamos.
Teníamos tiempo para jugar, leer y estudiar.
Había tiempo para descubrir nuevas cosas...
Mi madre me apuntó a clases de baile, teatro, arte y canto.
Fomentaban esas actividades.
Crecí con la televisión y los dibujos animados, pero con control.
También teníamos que leer.
Había un equilibrio.
Siempre me han gustado los dibujos animados.
Soy un niño de los 80.
Crecimos con los dibujos.
Los dibujos eran mi canguro.
Eran mis antidepresivos.
Mis ansiolíticos.
Lo eran todo.
Al volver de la escuela, veía dibujos.
Fueron mi vínculo con la infancia al hacerme mayor.
Por eso los incorporo a mis obras, porque me hacen sentir bien.
Tengo sábanas de Charlie Brown en la cama, peluches y otras cosas en casa.
Encontraron una mano amputada fuera de mi apartamento y la dibujé.
No tiene relación con los dibujos,
pero los dibujos animados eran mi consuelo.
La idea de tener un niño interior es muy importante
porque te lleva a la imaginación y a la libertad.
Creo que Scooter es un heredero del legado
clasificado como "neoexpresionismo".
Artistas como Keith Haring y Basquiat,
también pintaban sobre ropa.
Scooter tiene un tono irreverente y un enfoque satírico
que oculta un significado más profundo y sutil.
FUMAR MATA
Scooter puede pintarte lo que sea.
Tanto pinta platos
como puede pintarte a ti si te acercas demasiado.
Yo solía llamarle "Pequeño Picasso".
Ya tengo las herramientas.
No salgo a comprar cosas en concreto.
Cualquier cosa que tenga a mano me vale:
pintura de paredes, pintura de espray,
pintura que encuentro en la calle, pintura que tengo aquí...
La cuestión no es cómo me hace sentir, sino qué me hace pensar.
Cuando veo el arte de Scooter, siempre logra sorprenderme.
¿Es arte?
¿Qué hace que sea arte?
En él hay algo complejo,
incómodo, muy personal y hermoso.
Es como si cogiera la pintura y la arrojara al lienzo.
No me fijo en el contenido, sino en la pintura.
Libera la acción.
LA MUERTE ES INEVITABLE
Scooter es el artista más trabajador que conozco.
Es su vida.
La gente reconoce su trabajo
porque él es original.
No imita a otros artistas.
Si tuviera que describirlo,
diría que es positivo y que está abierto a cooperar.
Siempre trae sus trabajos aquí.
Nos respeta.
NO PASA NADA
Aquí es donde la creatividad entra en juego al ser artista:
¿cómo vas a ganarte la vida siendo artista?
¿Cómo vas a encontrar oportunidades
para ganar dinero y ser creativo sin tener que trabajar en una cafetería?
Preséntate a quienes te dan trabajo
para que te contraten más veces después del primer trabajo.
El universo te da oportunidades y tienes que saber verlas.
Esta gente sabe lo que haces.
Ponte manos a la obra, y a currar.
Hazlo lo mejor posible.
Que no te dé miedo el fracaso, no pasa nada.
Gracias al fracaso aprendes mucho de ti mismo y de tu arte.
Si al final es una mierda,
es lo mejor que le podría ocurrir a cualquiera.
Sigo aprendiendo.
Siento que aún estoy eligiendo hacia dónde debo ir
para elegir el camino menos trillado.
Ya no me tomo las críticas de forma personal.
Me gusta que la gente sea sincera.
PERIODISTA
Su arte estaba en todas partes. Era inevitable, me encantaba.
Era como una combinación entre depresión y optimismo.
Tiene una visión brillante del futuro del mundo,
pero capta el detritus que hay en la sociedad.
No solo la basura de la calle, sino la inmundicia social.
A mí me gusta pensar que todo ya está acabado.
Cuando esto era un lienzo blanco, ya era algo finito.
Hay soluciones para todo.
Trata de cómo me siento en ese momento.
Trabajo de manera espontánea.
Si quiero copiar algo, lo hago,
pero eso solo es una pequeña parcela de mi arte.
Lo primero que me impresionó fue
que transmitía una idea de inocencia de un modo muy impulsivo.
Hasta él mismo se deja sorprender por lo que acaba creando.
Cuando tienes un cuadro suyo,
tiene presencia,
notas las emociones sutiles que convergen en él.
Se convierten en objetos llenos de energía
y es como si fuera magia.
Si os fijáis en lo que pintaba de joven, había mucho detalle.
Usaba pinceles pequeños.
Pero ahora no me preocupo mucho de eso.
Me tomo muchas libertades y me divierto.
Creo que divertirse es uno de los deberes del artista.
Porque eso se plasma en su arte
y el público nota si se divierte pintando.
Estamos en un estudio caro de Tribeca.
Procuro ir y trabajar en él cada día.
De no ser pintor, hubiera sido cirujano
porque la creatividad es primordial en ese campo.
La relación entre pintar y operar
es el interés por el cuerpo humano,
por lo que hay en su interior y cómo funciona.
Rembrandt imparte la lección de anatomía.
Lo pintó en 1632.
Lo habré recreado tres o cuatro veces.
Este y otros cuadros médicos han sido una gran inspiración.
Lo desanimé.
Sabía que era muy listo y le dije: "Tienes que estudiar contabilidad".
"Tienes que hacerte ingeniero".
"Eres muy bueno en mates".
"¿Qué demonios harás con bellas artes?".
"Si te hicieras profesor, por lo menos tendrías trabajo".
Seré artista. Mírame.
No puedo evitarlo.
Tomó la decisión de estudiar arte en la universidad de Arizona.
E hizo bien.
Ha logrado combinar
la actitud del punk rock con lo contrario: la comedia.
Con un sentido del humor desenfadado y entrañable.
Las obras de Scooter engañan,
porque, a primera vista, muestran una especie de comedia,
ya que usa personajes y elementos de los dibujos animados
e imágenes de la cultura popular,
pero al mismo tiempo hay una sensibilidad subyacente,
tal vez tristeza.
He equiparado su sentido del humor y su sentido artístico
a los de Charlie Chaplin en el pasado,
por sus elementos tragicómicos.
Estamos saturados de imágenes de la cultura popular
que no tienen significado, que son insulsas.
Creo que si miras las obras de Scooter,
en lugar de captar directamente el mensaje,
tienes la sensación de que hay algo
mucho más sofisticado y subliminal en su mensaje.
Lo que me suelen decir es:
"Qué cuadro tan bonito, pero también es triste".
Tardas un rato en darte cuenta, pero está ahí.
Tiene que ver con mi angustia,
porque en mi vida he pasado por situaciones muy angustiosas
y aún las recuerdo.
En el último año de secundaria,
mi marido y yo decidimos mudarnos a Douglas, Arizona,
y eso lo dejó hecho polvo.
Él no quería mudarse,
pero le dijimos: "Tú te vienes con nosotros".
Nos mudamos en su último curso.
Tenía el reto de encajar en su nuevo instituto.
No tenía amigos.
Se vestía de un modo singular.
Cuando estaba en secundaria,
me mostraba extravagante y gay, sin tapujos.
Me vestía y presentaba de esa forma.
Pero no estaba bien visto. Era una ciudad pequeña.
Si te crías en una ciudad grande, encontrarás a más gente como tú,
por lo menos un par de personas, pero allí no tenía a nadie.
Yo era ese chaval gay
que llevaba ropa extravagante, el pelo teñido,
y que se expresaba libremente.
La cultura del momento no es tolerante con la sociedad gay.
Una vez, al salir de un restaurante, unos vaqueros le llamaron "maricón".
Eso no me gustó nada.
Me enfadé y empecé a gritarles.
A Scooter y a mí nos educaron con valores.
Nos enseñaron a no ser mala gente.
Mi hermano solo fue a un restaurante, no quería follones.
En el instituto sufrí depresión por haber salido del armario, ser gay
y porque me acosaban constantemente.
Mi apellido es LaForge y escribían "LaMaricona" en mi taquilla.
Me amenazaban con apalearme después de clase.
Me empujaban por los pasillos y se reían de mí a menudo.
Me hacían la zancadilla y me pegaban sin razón.
No sabía lo que me pasaba.
Caí en una depresión y me encerré.
No hablaba. Estaba cabreado.
Estaba enfadado con mi familia, con mis padres.
Me causó muchos problemas y me sentía muy infeliz.
En casa, reaccionaron diciéndome que me hiciera un hombre,
que fuera más masculino.
En aquel entonces, en casa había un ambiente muy tenso.
Mi madre vivía con nosotros y tenía demencia severa.
La situación en casa era disfuncional
porque estaba muy preocupada por mi madre y el trabajo.
Los niños salían a flote como podían, con sus propios recursos.
A esa edad, es una cuestión de vida o muerte.
Cuando era joven,
vivía en una caseta que había junto a la casa.
Ese pequeño rincón era mi espacio.
Dormía con el gas encendido, pero no salían llamas.
Era gas que emanaba del calentador.
Tenía la esperanza de morir.
Iba al instituto, tendría 17 años.
Cuando me desperté esa mañana, estaba contento de estar vivo,
pero triste y confundido.
Sentía una mezcla de emociones.
Pintaba sobre la ropa y creaba. Hacía esculturas.
Me iba reprimiendo cada vez más.
Hasta que estallaba y pintaba la puñetera habitación entera.
Te da libertad y, de una forma positiva,
es como si cada día fuera el último.
La mente puede modificarse.
En lugar de pensar en cosas negativas,
piensa en cosas positivas.
Tu mentalidad cambiará después de programarla.
Ahora, esos aspectos negativos ya han desaparecido.
He trabajado mucho en mí mismo gracias a la terapia.
Ha sido una gran ayuda.
Si no hubiera vivido estas experiencias, no estaría aquí.
Eso te hace más fuerte
porque tras vivir esa experiencia ya sabes cómo vivir con ella.
Muestra la persona brillante que realmente eres.
Si miras este cuadro de Scooter,
es una autopsia,
pero aparece Shakespeare.
Lo llamo "el cuadro de Shakespeare".
Representa una especie de línea del tiempo cronológica,
pero hay un payaso.
Son símbolos clásicos
unidos en un cuadro.
Me mudé a San Francisco tras terminar la universidad en Arizona.
Viví allí durante nueve años.
Lo tenía todo en San Francisco.
Conocía a todo el mundo y no pagaba por entrar en clubs.
Me reconocían en los restaurantes.
Estaba conectado con cada aspecto de la ciudad
y me conocían en el mundo del arte.
No compré alcohol hasta cumplir los 20 años.
Luego fui a San Francisco, me vi inmerso en un ambiente de fiesta
y empecé a tomar drogas.
Encontré el lugar donde era feliz y me metí cocaína a saco.
Hace que todo parezca interesante.
De los temas más absurdos,
puedes hablar durante horas, si vas de coca.
Si estás borracho, te haces una raya y automáticamente te espabilas
y puedes seguir con la fiesta y quedarte en el club.
Es muy social.
Y empiezas a hablar sin parar.
Pero lo que también pasa es que puede arrastrarte a la oscuridad
y hacer que tu mundo sea cada vez más pequeño.
Porque te dan las paranoias y empiezas a meterte coca tú solo.
Y eso fue lo que me pasó.
He hecho cosas inmorales y he hecho daño a mucha gente.
He desperdiciado oportunidades porque pensaba:
"Mira a Jackson Pollock, un borracho".
Si ellos bebían, yo también puedo.
Ha faltado así de poco para que me tirara por el balcón de un quinto piso.
La última noche que tomé drogas o alcohol,
había llegado a casa del club con un amigo.
Nos terminamos la cocaína y fumamos cigarrillos.
Vivía en un apartamento diminuto de San Francisco.
Después, él se marchó y salió el sol.
No podía dormir. Estaba colocado.
No podía dormir, estaba triste y solo.
Había una botella de vino con las colillas de los cigarrillos.
Vertí el vino en un vaso
y me lo bebí para obligarme a dormir.
Después del último trago,
supe que la fiesta había terminado.
Ese día ya paré.
Hace ya 19 años de eso.
Me mudé a San Francisco en 1992.
El sida aún no había llegado a su punto álgido,
pero estaba descendiendo.
Parte de su arte muestra la estética gay reivindicativa de los 80.
Nos enfrentábamos a los inicios del sida. Era horrible.
Salimos a las calles gritando.
Ha mantenido este elemento y lo ha actualizado.
Cuando viví en San Francisco, mucha gente murió de sida.
Había un hawaiano guapo que salía con mi compañero de piso.
Tenía 25 o 26 años
y dio positivo en VIH.
Tal vez por miedo o por depresión empezó a tomar anfetaminas.
Pasó de ser un hombre alto y guapo
a un esqueleto en tres meses.
Mostraba todos los síntomas del VIH
y tenía SK, un sarcoma de Kaposi.
El SK hace que te salgan llagas por todo el cuerpo.
Fue muy habitual en los años 80 y 90.
Por todas partes.
Finalmente, volvió a su tierra y murió.
Fueron más de tres años de sufrimiento.
Lo vi desde el principio hasta el final.
Gente en las camas de los hospitales, que eran como esqueletos.
Perdí a muchos amigos,
perdimos a mucha gente y a mucha gente creativa.
Fueron tiempos difíciles. Fue una época horrible.
A esa edad, el miedo caló hondo en mí
y también el sexo seguro.
Por tanto, nunca tuve relaciones sexuales de riesgo
porque te machacaban con ese mensaje:
"Condones y sexo seguro".
Yo soy de esa generación.
Practico este tipo de sexo.
Si hubiera nacido cinco o diez años antes, hubiera sido la anarquía.
Todo el mundo hacía lo que quería y cuando quería en las saunas.
Era la libertad sexual, la liberación.
Es la naturaleza humana,
porque somos seres sexuales
y es parte de ser un animal.
Los temas de su arte podían tratar el sida,
la comunidad gay, la sexualidad, la homofobia,
podían ser un homenaje a las personas trans que conoce y ama,
y temas subversivos en los que cree o que plasma de una forma satírica.
Un día decidí venderlo todo,
coger un avión y mudarme aquí
antes de morir o de que ya fuera demasiado viejo
y empezar de nuevo.
Mi madre me suscribió a la revista Interview.
De pequeño me compró Los diarios de Andy Warhol.
Leí el libro y me obsesioné
con los pintores de Nueva York y su arte visual.
Empecé a seguirlo y estudiarlo.
Quería formar parte de aquello.
Algo dentro de mí me decía que tenía que venir
por todo lo que había visto y leído.
Sentía como si un imán me atrajera hasta aquí.
Mi sueño siempre fue venir aquí y seguí todos los pasos para lograrlo.
Sabía que pertenecía aquí.
He logrado construirme una vida plena y me he rodeado de gente creativa.
Cuando llegué en 2001, trabajaba para la empresa Earl Jean,
que estaba en el Soho.
Lo cerraron todo por los atentados terroristas del 11S.
Te llegaba el olor de los edificios quemados.
La ciudad estaba en silencio, oculta bajo una manta de preocupación.
-Un trabajo maravilloso. -Me encanta. Es increíble.
Me gusta el contorno grueso.
Es un retrato.
Lo hicimos en un estudio.
Yo estaba pasando por un mal momento.
Hay mucha información.
Hay una serpiente de coral.
Mi corazón sangra.
Su arte no es para todos.
El arte es muy personal.
Estamos en la ciudad en la que el dinero lo mueve todo.
Las galerías de Chelsea se fijaron en él.
Algunas galerías debieron pensar
que quizá a su clientela no le gustaría tanto su arte.
Que para que tu arte tenga más aceptación tienes que hacer ciertas cosas.
No creo que eso funcione con él.
En Nueva York hay que tener cojones para decir:
"No, no pienso hacer eso".
No pasa nada. De un modo u otro lo conseguirá.
Cuando me mudé a Nueva York, envié mis cuadros a varias galerías.
Debí de enviarlas a unas 200 galerías,
sin embargo, o no me respondían o siempre era un "no".
Mi experiencia con galerías consolidadas y prestigiosas
es que son ellas las que tienen que ir a buscarte.
EL HOMBRE MUERE
En el centro de Nueva York es donde los más atrevidos y valientes,
y los artistas son libres.
Crean arte porque les encanta,
no porque piensen en la fama o en el éxito.
Las galerías de Chelsea algún día se arrepentirán
de no haberle dado su sitio.
Aunque él tampoco necesita el reconocimiento de esas galerías.
Me da esa sensación.
Venía de San Francisco, donde era un artista reconocido,
y aquí tenía que empezar de cero y ser humilde.
Nadie me conocía.
No puedes llegar aquí
y creerte que en un año serás el amo de la ciudad.
Esa falta de humildad es típica de los 80.
E ir siempre diciendo: "¡Yo, yo! Soy una estrella."
"¿No sabes quién soy?". "Joder, pero si soy una estrella".
Las cosas ya no son así.
Y no se descubre a alguien de repente, eso son chorradas.
No descubres a un artista sin más.
La gente se pasa años trabajando en su arte,
seguramente han empezado a aprender a los seis años.
No he conocido a nadie que se haya hecho famoso al instante.
Son personas que han trabajado toda la vida,
que se han hecho ver y con las que es fácil trabajar.
QUE DIOS BENDIGA
EL AMOR
2015 fue un gran año para Scooter
porque en ese momento Patricia Field y él
consolidaron su relación.
Era el mejor aval posible,
porque Patricia Field es muy conocida en el mundo de la moda.
Fue la estilista de Sexo en Nueva York.
Antes de eso promocionó a Keith Haring,
que fue una gran fuente de inspiración para Scooter.
Ella expuso el arte de Basquiat por primera vez en su boutique.
Que asociaran su nombre al de ella fue clave para él.
Le estoy muy agradecido.
Me encanta la libertad que da
a los artistas que trabajan con ella.
Nunca le dice a la gente qué camino debe seguir,
ni cómo pintar o qué pintar.
Deja que las personas se expresen tal como son.
Creo que esa es la clave de su éxito.
Si tengo una idea, siempre la comento con Scooter,
porque sabe trabajar con los demás.
Es muy solidario.
El trabajo es mucho más interesante
cuando se tiene esa actitud positiva.
COLABORACIÓN
¿Colaborar? Me gusta conocer a la gente con la que trabajo
y ver si hay sintonía.
Mi amiga Helixx Armageddon es poeta.
Es música.
Hace arte de acción.
Es cantante.
Es bailarina.
Lo memoriza todo.
HELIXX ARMAGEDDON ARTISTA
Lo que más me gusta del arte de Scooter
es que en él hay dramatismo, esperanza y excentricidad.
Sus cuadros son un mundo en sí mismo.
A LA MIERDA, NO QUIERO SER SENSIBLE
Durante la marcha por la liberación queer, Scooter y yo estuvimos hablando
sobre el estado del mundo y de todas las cosas que han pasado.
Cuando vas por Bowery,
hay jeringuillas usadas por todo el suelo.
La gente sufre mucho
y luchan por salir adelante.
Por eso deberíamos trabajar juntos.
Esta espiral de energía hizo que pasaran dos cosas.
Escribí dos poemas.
Uno trataba de lo que se siente al tener depresión
y de cuánto se sufre.
Y el segundo, de hacerse mayor en estos momentos,
con todo lo que pasa en el mundo.
Envié los poemas a Scooter
y creó la obra de arte que habéis visto, que es la pieza central de la actuación.
Tiene los ojos cansados, y la mente y el cuerpo desconectados.
Me gusta intentar personificar el poema.
La obra tiene muchos elementos.
Al mirarla, pensaba:
"Si tuviera que escenificar la historia, ¿cómo lo haría?
¿Qué se sentiría?".
Ensayé con Scooter.
Estoy segura,
incluso con la depresión, que sujeta mis alas.
Aprendí cosas nuevas.
Empecé a escribir poemas con Helixx
después de colaborar con ella.
¡Gracias!
Scooter, por favor.
Todo esto lo he encontrado.
Esto es una cinta métrica de la calle.
El palo de una escoba.
Un clavel falso.
Esto lo encontré en la basura.
Todas mis prendas de Scooter están hechas a medida.
Había un proceso por el que pasábamos juntos.
Conseguíamos el tejido y tomábamos las medidas
para que, cuando me la pusiera, la prenda fuera cómoda.
Las colaboraciones con Gazelle suelen empezar con una idea suya.
Porque es una artista de acción.
Sus ideas son muy concretas y están muy meditadas.
Las ha creado alguien que entiende quién soy como artista visual.
Que me vaya apretado o que sea extravagante
forma parte de lo que implica llevar durante cuatro o cinco horas
una prenda de Scooter LaForge,
simplemente porque es suya.
Tengo que lavarlas a mano con mucho cuidado.
Algunas prendas no las lavo nunca
porque quizá me las pongo solo una o dos veces.
Cuando crea un vestido o una estética para mí,
yo me encargo de conjuntarla.
Ahí él ya no tiene el control porque mi estilo se combina con su arte.
Lo que me da mucha vida como artista son las reacciones de la gente.
Scooter también experimenta conmigo
porque sabe que no me da miedo probar cosas
que otros no se atreven.
Su arte es muy masculino.
Con "masculino" quiero decir que es muy bruto,
ya que mi estilo como Gazelle es algo más glamuroso
y más delicado.
Como mi lenguaje visual es un poco más femenino,
tengo que suavizarlo.
Tengo que elegir el par perfecto de zapatos de tacón
y los pendientes perfectos para que no haya tanto contraste.
Él se fía de mi criterio sobre lo que tengo que ponerme.
Discutimos unas cinco o seis veces
y, de repente, ya está hecho.
Gazelle siempre tiene ideas alocadas y surrealistas.
Me inspira a pensar desde otras perspectivas.
¿Qué os parece?
Añadiré una gota de cola por seguridad.
Vale, ya está.
Para mí, Ethan Minsker se ha convertido en una especie de hermano pequeño
al que me gusta machacar.
Pero al mismo tiempo haría lo que fuera por él.
Dibuja de maravilla.
Es realizador, pintor, animador y escultor.
Lo que me alucina de Scooter es cómo se adapta a los cambios del entorno.
¿Que las galerías están cerradas? Pues lleva sus obras a la calle.
¿Que los lienzos no se venden rápido?
Pues pinta sobre la ropa.
Esa es la clave de su éxito.
Da igual lo que pase a su alrededor.
Todos podemos aprender de él.
DEMOCRACIA VOTAD
Cuando paseo por la ciudad,
intento no mirar al suelo, sino ir mirando hacia arriba.
Y entonces descubres los depósitos de agua.
Hay depósitos de todas las formas y tamaños.
Son un reflejo de la gente
que vive en la ciudad.
Hay algo oculto en los rascacielos
que simboliza la unicidad de Nueva York
y su fuerza para resistir.
Creo los depósitos de agua con papel maché y material reciclado.
Se presentó con los depósitos.
Eran de color blanco, nuevos y estaban inmaculados.
Me dio libertad para pintarlos.
Como su arte es escultural,
me inspiró a crear esculturas.
Cuando colaboras con alguien, quieres elegir a un artista mejor que tú,
alguien a quien admiras.
Así, tu mensaje se difunde a través del suyo
y aprendes de su proceso.
Veo formas distintas de trabajar,
añado una nueva dimensión a mi arte
y aprendo a trabajar con gente distinta a mí.
Fijaos en esto.
Me parecía que el naranja era demasiado fuerte,
pero si no funciona,
lo pintaré de color blanco y empezaré de cero.
O lo tiraré a la basura y ya está.
Es un muñeco que da flores.
Fijaos.
Os ofrece un clavel.
Suelo ponerlas delante del espejo,
alejándome al máximo, para comprobar cómo se ven.
Porque así tienes
la perspectiva de cómo se ve contra la pared.
Desde lejos del espejo.
Así ves cómo queda desde muy lejos.
MODA
SOY UN DESASTRE
ERES UN DESASTRE
Esta es mi colección de ropa, que por ahora anda un poco escasa.
Estoy trabajando en esta chaqueta.
Cuando me envió una camiseta, fue cuando nos conocimos por primera vez.
Se parece a Allen Ginsberg y también a mí.
Trata la ropa con el mismo criterio con el que pinta.
Son lienzos con movimiento, a veces incluso parecen esculturas.
La superficie da igual, él hará que funcione.
Por ejemplo, la camiseta que llevo es una combinación.
Tiene elementos con los que puedes interactuar,
como esta cara.
Son objetos hallados.
-Y... -¿Una cabeza de goma?
Exacto, es como un títere.
Hazme el amor, Ethan.
Una tira de cuero.
Esto podría ser el pelo.
Conocí a Scooter LaForge cuando tenía mi tienda en el Bowery.
Al principio, le dije:
"Scooter, no puedes usar el logo de Chanel".
"Me tienen en el punto de mira y han amenazado con demandarme".
"Quita todos los elementos reconocibles de la marca,
porque no somos lo que se dice 'anónimos'".
Esta mochila fue un hito de las obras sobre ropa de Scooter,
porque hace alusión a Chanel, como se aprecia en los logos.
Está llena de detalles maravillosos,
como las miniaturas de esqueletos,
las tiras de tela fina y los abalorios.
Chanel se la copió
y la incorporó en su colección.
El Chanel falso pasó a ser real y la fabricaron en serie.
Es gracioso,
pero creo que distrae un poco.
Los detalles están...
muy cuidados.
Hay una manga pequeña cosida.
Él cose elementos a las prendas y también las pinta.
Eso les añade todavía más originalidad.
Imito esta forma de aquí. ¿Lo veis?
La sigo con las tijeras.
Ahí quedará perfecto.
Y ya tenemos el pelo.
La parte del culo es ondulada,
pero la parte delantera es una camiseta.
Como vivimos en un mundo transgénero, todo combina bien.
Este vestido
es un vestido Frankenstein
hecho de ropa interior térmica.
Me encanta el velo.
Scooter encontró
este letrero en la calle.
Me encanta, me parece muy gracioso: "Levante la pala".
Pensé que molaría mucho llevarlo como si fuera un collar.
Scooter lo firmó.
Por lo tanto, sería un ready-made de Scooter.
La ropa es el lugar donde Scooter prueba cosas nuevas.
Sus experimentos contribuyen a esa libertad
y luego puede incorporarlos a su lenguaje pictórico.
Hay un vínculo entre su arte y su ropa.
Si la pusieras en un cuadro, sería arte.
Y si me pusiera sus cuadros en la cabeza, sería moda.
Cómo debe ser.
La moda que crea Scooter
me recuerda a las túnicas de los chamanes.
Son identidades.
Te fusionas con el arte.
La empresa JCRT estaba interesada
en usar algunos de mis cuadros para sus camisas,
porque, precisamente, son de cuadros.
Hacía mucho que sabía quiénes eran, pero no los conocía en persona.
Quedé un día con ellos y conectamos al instante.
Si no hay conexión o si algo no me gusta,
sé que no funcionará.
-Yo soy el tranquilo. -Somos como Penn y Teller.
Nos dio una obra.
Nosotros jugamos con ella.
Se la volvimos a enviar
e hicimos una especie de toma y daca.
Sacar de contexto el arte de sus cuadros y estamparlo en las camisas,
no es solo una huella en las camisas, sino una nueva forma de expresar su arte.
Es como si hubiera pintado sobre la tela.
Parece que tenga tres dimensiones
y que puedas tocarla y sentir el arte.
Es el resultado del intercambio previo de diseños.
Los hicimos menos provocadores y un poco más alegres
porque pensamos que así habría más gente dispuesta
a aceptar la colaboración.
Hay detalles ocultos por todas partes, porque el arte de Scooter es la hostia.
Siempre hay un conejillo haciendo algo.
Esto en realidad es un dibujo de un pitufo
haciéndose una paja.
Creo que está eyaculando la cabeza de Medusa.
Lo que más me alucina es ver que la gente se las pone
sin darse cuenta de todo el contexto de lo que lleva encima.
Eso es moda de verdad
porque las cosas tienen un significado profundo
y no todo el mundo debe saber lo que es.
-Son joyas ocultas. -Sí, son cositas escondidas en la ropa.
Es como un plus más.
Ver que la gente las lleva por la calle es muy gratificante.
Para mí, la moda es comunicación.
Scooter LaForge hizo todos los diseños.
Ha hecho un trabajo increíble, se ha esforzado mucho.
Empezamos haciendo los diseños
y después los tejíamos o los estampábamos.
Fue un proceso largo.
He trabajado con Walter tres meses para este desfile.
No nos conocíamos en persona, solo por correo.
Esta es la primera vez que coincidimos en persona.
Me envió diez palabras. Me dijo: "Ve a por todas, haz locuras".
Me mandó los diez conceptos de la colección
y me dijo: "Haz lo que te dé la gana".
"No hay normas".
"Pinta como quieras". "Expresa tus sentimientos en el lienzo".
"Usa trazos grandes y arriesgados".
"Vuélvete loco".
Así que me desinhibí completamente
y dejé que la pintura actuara.
Y el resultado salta a la vista.
LA GUERRA ES ESTÚPIDA
Es una concha que he pintado yo.
Esto podría ser la nariz.
Esto es un ancla. Podría ser un pendiente.
Pero eso tendré que hacerlo a máquina.
Cuando me llegó la chaqueta, me quedé sin palabras.
Con ella me siento más grande de lo que soy.
No soy una persona alta.
Todo el mundo quiere saber de dónde la he sacado,
quien la ha creado.
Llama mucho la atención.
Llevo una prenda que solo tengo yo.
Trabajé en tiendas de ropa y después pinté camisetas
y se las vendí a Patricia Field.
Decidí dedicarme a tiempo parcial,
pero las camisetas se hicieron populares
y los cuadros empezaban a ser más conocidos.
Y al final, dije: "A la mierda.
Haré un salto de fe, dejaré el curro y me dedicaré a esto por completo".
AZUL
Desde que lo hice, he logrado sobrevivir de ello.
Sentía que estaba preparado porque tenía la mente despejada.
No tenía problemas ni con las drogas ni el alcohol.
Para ser un artista de éxito, tienes que hacerte ver,
dar lo que se espera de ti
y ser bueno en lo que haces.
Si no cumples las tres cosas, el trabajo se lo darán a otro.
PAPÁ
Me siento más confiado cuando pinto.
No me da miedo pintar en público. No me da miedo pintar, y punto.
Es lo único en esta vida que no me da miedo.
Debo lidiar con muchos miedos y ansiedades,
pero si me piden que pinte algo, gente que conoce el estilo de mi arte,
no tengo ningún problema en hacerlo mientras me miran.
Es algo de lo que doy gracias,
porque conozco a muchos artistas que no pueden pintar con gente alrededor.
NO SOY NADIE ¿QUIÉN ERES TÚ?
CARNE SECA NEW HOPE, PENSILVANIA, 2020
Creé el show Carne Seca.
Era una residencia de artistas
y fui para pintar naturaleza, animales del bosque y flores.
Luego se me ocurrió la idea
de pintar el cuento de Hänsel y Gretel
porque la casa me recordaba a la casa de la bruja.
La llamé Carne Seca
porque en el cuento real de Hänsel y Gretel
cogieron los cuerpos de los niños,
cogieron a Hänsel y lo secaron.
Secaron sus órganos y músculos e hicieron carne seca de ellos.
Eso era lo que comían durante la gran hambruna en Alemania.
BELLAS ARTES NANCY LITTLEJOHN
Es un poco tímido.
A veces, lo ves y ni siquiera te saluda.
Soy tímido cuando hay mucha gente.
Es como una fobia social que tengo cuando hay mucha gente.
No me da miedo hablar en público,
pero tengo miedos muy raros.
A veces me mareo...
y me da miedo no caer bien a la gente o que no me acepten.
Si alguien me dice algo malo
o si me dicen cosas malas por internet,
eso me da miedo.
Es muy rara la sensación de que el miedo se va apoderando de ti.
Si voy solo a inauguraciones de arte,
me siento un impostor o fuera de sitio.
Suerte que llevaba la máscara y el disfraz de oso
porque quería añadir otra capa de arte relacionada con el tema,
porque me encantan los animales.
Me alegré de tener esa barrera.
Porque, a veces, cuando hablas con mucha gente,
y escuchas sus historias,
su arte y lo que hacen
es un bombardeo de información
que en una noche puede llegar a ser muy abrumador.
Lo había proyectado en mi imaginación y quería llevarlo a cabo,
quería añadir otra capa de interés al evento
con animales extraños de peluche y gente disfrazada moviéndose por allí.
Para la última exposición de Howl,
hice cinco cuadros de gran formato.
Medían cinco metros,
son más grandes que esta habitación, por tres metros de altura.
Fui a la galería para medir los cuadros en relación con las paredes.
El tema era Pompeya, especialmente los frescos eróticos,
que me han obsesionado toda la vida
porque los vi en National Geographic.
Me introdujeron por primera vez
al porno o al erotismo.
Siempre los tengo en la cabeza.
Fue la primera vez que vi algo que me estimulaba.
Nunca lo olvidaré.
Siempre me han obsesionado los frescos eróticos de Pompeya
porque muestran relaciones sexuales, hombres con hombres,
y eso me ponía cachondo.
Los falos, las mujeres con los hombres...
Había prostíbulos por toda Pompeya.
Todas las ciudades italianas eran así, solo que esa se ha conservado.
Pinté el Vesubio con una nube grande y negra.
Empecé a pensar en la muerte
como si la nube la representara.
Luego empecé a asociar el sexo con la muerte.
Empecé a pensar
en cuando me mudé a San Francisco a finales de los 80 y principios de los 90
y veía a la gente morir de sida.
Había mucha gente practicando sexo y de repente murieron por el volcán.
Encontré ese paralelismo.
La nube negra también podría representar el calentamiento global.
También podría representar la situación actual de los Estados Unidos.
Tiene muchas metáforas.
Cada vez que la gente va a la galería, ve cosas distintas en la nube
porque abre una puerta
a desarrollar nuevas opiniones.
La gente me transmite todo eso y me inspira.
Las inauguraciones de arte son el negocio
y luego viene el amor por el arte.
Y eso llega si vas solo.
Es como si me llamara y me dijera: "Acércate".
Y voy hacia el lienzo. Quiero follarme el lienzo.
Las obras de Scooter,
si las ves en directo y las comparas con las fotos de internet,
las pinceladas son muy distintas.
Esa relación íntima con el arte nunca la vas a sentir por internet.
Tampoco la tendrás en la inauguración de una exposición.
Tienes que tener la intención de intimar con el arte
e ir a la galería durante su horario de apertura habitual,
cuando no te llaman para ir a socializar.
Salir, ir a museos,
ir a galerías y ver los cuadros de los demás
es un hábito que es parte importante de mi rutina.
La gente expone su arte por varias razones.
Algunos quieren ganar dinero,
porque para algunos lo que importa es el dinero y vender,
pero para otros lo importante es el amor por el arte.
Al pensar en mi público, lo primero es...
¿qué puedo añadir para que el cuadro sea espectacular?
Me he fijado en otros pintores históricos
hasta llegar a las pinturas rupestres.
Las pinturas rupestres y los jeroglíficos son la esencia de la pintura.
Me fijo en ellos y en todo lo que viene después.
En resumen, algunas de mis obras pueden ser muy complicadas y maximalistas.
En lo referente al negocio,
algunas ferias de arte parecen un centro comercial.
No sé si son el sitio ideal para un artista,
porque te sorben el alma.
Pero hay otras ferias de arte que son una pasada,
como la Spring Break.
FERIA PARA CONSERVADORES DE ARTE
En la Spring Break he expuesto
la colección de vasos hechos de arcilla cocida,
que me recordaban a los que puedes ver en Pompeya.
He coleccionado unos 25.
¿Por qué no titularla "Venta abrasadora del Vesubio"?
Sería como una tienda de souvenirs en el Vesubio.
Luego pinté pequeños símbolos fálicos
y estatuas pequeñas que envié.
Una sátira griega. Eran muy populares.
Parecía una tienda de souvenirs
o una excavación de Pompeya.
Tengo muchas cosas en la cabeza y las intento ordenar.
Prepararemos la mesa.
Primero esa pared, después la otra. Es como...
un organismo.
Quién sabe cuándo parará de crecer. Es como una ameba.
Sus células se dividen sin cesar.
Es arte de por vida, es como vivir una película.
Podríamos dejar esto en blanco,
podría ser un descanso para el ojo o rodearlo de más cosas.
¿Y si pongo este cuadro aquí debajo?
Así parecerá una prolongación.
Quería poner flores.
Falsas o reales.
Ahí pone "La gente es peculiar" en hebreo.
Estoy muy cansado.
PROYECTO ESPECIAL: HOWL HAPPENING NO DEIS COMIDA A LOS ANIMALES
POR FAVOR, NO DEIS COMIDA A LOS ANIMALES
Ted, ¿por qué está aquí?
Después ya habremos terminado.
Ahora hay que perfilarlo un poco, ¿verdad?
MARZO, 2020
LA GENTE TIENE EL PODER
Durante la feria Spring Break,
en nuestro país irrumpió el coronavirus.
Me siento muy afortunado porque miles de personas
visitaron mi estand en la Spring Break
y no me contagié,
pero el país sí
y, sobre todo, esta ciudad se contagió.
Hemos estado en cuarentena tres meses
y durante estos tres meses,
la cifra de muertos ha rozado los 20.000.
Creo que estamos cerca de los 18.000, solo en Nueva York.
Durante la cuarentena, que empezó el uno de marzo,
estábamos encerrados en casa.
Vivo en un apartamento pequeño que tiene un dormitorio.
Me aburría, la televisión me aburría.
Vi que tenía cuadros bajo el fregadero
y pinceles viejos.
Me propuse convertir el piso en una cueva.
Hagamos arte rupestre sobre el coronavirus.
No necesito estímulos exteriores para crear arte.
No necesito otra cosa que pintura y pinceles.
Pinté el apartamento con cuatro colores.
Pinté con las manos y papel de cocina.
Aprendí cosas nuevas que me emocionaron
y me dieron adrenalina.
Seguí y seguí.
Ahora diría que un 98 % de las paredes de mi apartamento están pintadas.
Las vidas de los negros importan.
Un hombre que se llamaba George Floyd murió en manos de un policía
y eso causó revueltas por todo el país.
A cada acción le corresponde una reacción.
La acción de asesinar a George Floyd provocó esa reacción.
Es una ley universal. Es una ley de Newton.
Las ventanas de la calle Bowery están rotas.
En los próximos días las tapiarán.
Si paseas por la calle, parece que estés en un pueblo fantasma.
ACTIVISMO
Estas semanas han tapiado muchos escaparates de la calle Bowery.
Ahora los artistas tienen un nuevo lienzo para hacer lo que quieran.
Quiero hacer un mural optimista.
Estoy a favor del Orgullo y de "Las vidas de los negros importan".
Quiero hacer algo que trate sobre el amor.
Algo positivo que la gente pueda observar.
Intento salir de casa y hacer el bien.
Difundir un mensaje positivo de amor a todo el mundo.
El Día del Orgullo se acerca. Bob Esponja ha salido del armario.
James pintó a Bob Esponja y yo pinté triángulos rosas.
Probablemente hay siete murales bajo ese mural.
Estoy contento de cómo ha quedado.
SCOOTER ESTUVO AQUÍ
Es humilde, atrevido, y siempre se apunta a todo.
Tengo amigos artistas que son mucho menos famosos que Scooter
y les hablé de esto:
"No nos pagan la pintura y los tablones caen".
"Pues yo paso."
Se lo dije a Scooter y se emocionó.
Me emocioné. Él se emocionó y yo, todavía más.
DECID SUS NOMBRES
Cualquier cosa es mejor que estos tablones.
Las cosas tienen que cambiar, el sistema tiene que cambiar.
Todo está fatal. Espero que solucionemos este problema.
EL PODER DEL AMOR
Estar encerrado en casa,
sin poder entretenerme en la calle,
me ha afectado mucho.
Pero también ha tenido un lado positivo,
me ha obligado a mirar en mi interior.
Y eso se ha manifestado en forma de meditación,
como una estancia artística forzosa.
Tenía que mirar en mi interior y solucionar cosas de mi vida.
EL PODER DEL AMOR
Hemos pasado por todo esto y...
Tenemos a los maestros,
tenemos a los mejores pintores,
pero no lo somos.
Ya no se trata de los mejores pintores.
Creo que ahora lo importante es difundir un mensaje.
Ahora nadie compra cuadros.
Desde el inicio del coronavirus,
he parado todo mi trabajo.
No he podido continuar con mis proyectos paralelos.
No he tenido ningún ingreso.
Pero hice una camiseta del coronavirus y la puse en venta.
Las ganancias las doné a la Coalición Personas Sintecho.
Vendí 60 camisetas.
BARRIO ESTE
PASTELES DELICIOSOS
TODO EL MUNDO ES BIENVENIDO
CELEBRACIONES COMUNITARIAS
COMIDA GRATIS PARA TODOS
El pequeño. Hay toallitas.
Son para el cuerpo.
Un cepillo y pasta, ¿lo quieres?
-Sí. -Es una galleta con chips de chocolate.
De nada.
Y productos femeninos.
Ropa interior de hombre en gris claro y oscuro.
Lo que tienes en la mano. Creo que es este.
Este y este son nuevos. Muy novedosos.
Es ropa interior de hombre y mujer.
Aquí hay cepillos y pasta de dientes.
Me pareció un buen momento para empezar a ayudar a otras personas.
TRATA BIEN A LOS ANIMALES SIEMPRE
DEVOLVEDNOS EL BOWERY
LA GENTE TIENE EL PODER
"NO PUEDO RESPIRAR"
PROHIBIDA LA DISCRIMINACIÓN LABORAL POR LA ORIENTACIÓN SEXUAL
La sentencia del Tribunal Supremo
dice que no se puede discriminar al colectivo LGTBQAI.
Eso es un triunfo para todos, sobre todo para mí y mi familia,
porque a mi hermana, que fue militar
y pasó 20 años de su vida
en la Marina,
la expulsaron por ser lesbiana.
Aquello le destrozó la vida.
Combatió en la guerra del Golfo,
donde se jugó la vida.
Pilotaba helicópteros C21.
Su compañera de habitación dijo que era lesbiana y la Marina,
a pesar de su trayectoria, la expulsó.
Ese día todo se acabó.
Ha tenido que enfrentarse a ello toda la vida.
Solo por ser lesbiana. Nada más.
Estoy contento de que ya no puedan despedir a nadie
solo por ser gay o afeminado.
Conozco a personas a las que han despedido por eso.
Ahora la ley lo prohíbe.
Los cuadros...
No dibujo en el lienzo.
Me gusta dibujar, dibujo mucho.
Cuando pinto, intento dibujar con la pintura.
No corrijo las líneas.
No trabajo así.
Me tomo muchas libertades con la pintura.
HISTORIA ARTE
Me imagino a las nuevas generaciones echando la vista atrás.
Si realmente quieren saber lo que ocurre ahora,
tienen que mirar su arte.
Grabar todas las emociones diversas que sienten.
Y eso les transportará a nuestro presente.
Su arte lo capta todo.
Probablemente hay siete capas.
Es dónde se descubren nuevas cosas.
Los conceptos se materializan.
Este cuadro y el otro son de Venecia.
Tenían muchos cuadros religiosos.
Al volver, decidí pintar
una serie de obras basadas en cuadros religiosos.
Los conceptos nacen de mis experiencias personales.
Como artista, la historia te impone.
La historia te dicta que debes hacer esto o aquello.
Y lo que veo en el arte de Scooter es un toma y daca con la historia.
Imita a Picasso.
Reinterpreta a Cézanne.
Evoca la pintura clásica del Renacimiento.
Te enseña esa ropa misteriosa que él crea.
Es una experiencia artística que hoy en día no se espera.
Es muy inusual.
A veces pinto platós de televisión
y a veces zapatos, bolsos y cartones.
Eso serán máscaras.
Cuando vi su arte, pensé que llegaría lejos.
Creo que seguirá creciendo después de que muera.
Si vivo más que él,
será mi plan de jubilación.
Intento explorar, hacer cosas nuevas y que haya frescura.
Eso es lo bonito de pintar, que es infinito.
Siempre hay algo nuevo que hacer
si tienes pintura y un lienzo.
No es finito.
Es infinito.
Creo que en este momento del siglo XXI,
la noción de lo que es el arte está en juego.
¿Qué es relevante?
Creo que ahí radica la importancia del arte de Scooter,
porque tiene un vocabulario muy extenso.
Es como si hablara varios idiomas.
Creo que su arte es una mezcla,
una reinvención de las tradiciones de los maestros.
En la historia del arte, ¿qué lugar ocupará mi arte?
Eso no me corresponde a mí decirlo porque no soy historiador del arte.
Solo sé que tengo estos cuadros, que son de plástico,
y que perdurarán, porque los hago con pintura acrílica.
Había artistas que me encantaban y que tenían un gran corpus artístico
y, de repente, murieron.
Todo su arte acabó en la basura.
Quién sabe lo que pasará con esto.
Podría acabar en la basura o en un museo.
La única razón por la que Van Gogh es famoso
es gracias a la mujer de su hermano, Johanna van Gogh.
Guardó todas las cartas y todos los cuadros de Vincent.
Si ella no lo hubiera guardado todo,
no creo que fuera lo que ha llegado a ser.
Necesitamos a alguien que ame el arte
y que lo conserve para que ocupe su lugar en la historia.
Si tuviera la suerte de encontrar a esa persona,
sería genial,
pero no sé si ocurrirá.
EN MEMORIA DE ANNE LAFORGE
UNA PELÍCULA DE ETHAN MINSKER
¿Me queréis preguntar algo más?
No, lo has hecho muy bien.
He vivido muchas frustraciones y depresiones,
pero nunca he dejado de pintar.
Hago muchas cosas gratis.
Eso me hace seguir adelante. Me hace progresar.
A veces consigo un trabajo bien pagado
que me permite pagar el alquiler y seguir tirando otro mes.
Así es como se sobrevive en el mundo artístico.
FIN
Cuando lo edite diré: "¡Ah!".