El comentario de que los Kraftwerk son más más influyentes, más importantes,
más bellos de lo que los Beatles podrían ser jamás,
está tornándose cada vez menos extraño
y cada vez más lo que siempre pensamos que sería...
...la verdad.
A fines de los años 60 y comienzos de los 70,
cuando los Kraftwerk estaban esforzándose por encontrar una nueva voz artística
en el vacío de la cultura pop de la Alemania de post guerra,
pocos habrían predicho que estos solitarios experimentalistas de Renania
se convertirían en uno de los grupos pop más influyentes de todos los tiempos.
Pero eso es exactamente lo que sucedió.
Pintando en un lienzo innovadoramente negro, crearon
música electrónica emotiva que fusionaba pop comercial
con el Avant Garde, una música folk industrial
con atractivo global que predecía cómo sería la música
y cómo se vería el mundo en la Era Digital.
Nuestra generación tuvo que empezar de cero en un espacio vacío.
Al vivir en Rhine, la música está más influenciada por las máquinas y la ciudad
que por cosas rurales, y refleja esos elementos.
La influencia de Kraftwerk ha crecido con cada año que pasa y ahora,
45 años después, han sido abrazados por el mundo del arte,
su Gesamtkunstwerk es celebrado en elaboradas temporadas de conciertos 3D
en espacios de arte icónicos en Nueva York, Dusseldorf, Londres,
Sydney y Tokio.
El más ambicioso de estos eventos tuvo lugar en la antigua
central eléctrica en el Modern Tate de Londres.
Ocho noches agotadas en minutos,
con la demanda de entradas haciendo estallar los servidores, y el público
y la histeria de la crítica confirmando su estatus como obra de arte.
Con más de cien mil fanáticos decepcionados en el frío exterior,
nuestras cámaras fueron invitadas por el grupo a entrar para capturar impresiones
exclusivas de su espectáculo para la realización de este film,
"Kraftwerk: Arte Pop".
Colocarlos en una galería o un museo es totalmente apropiado,
porque ellos, en un sentido, son esculturas vivientes, son una instalación.
Son una instalación que implica una enseñanza sobre música pop,
y sobre el mundo del espectáculo.
Pero eso no es todo... Es más que nada
una fascinante enseñanza sobre la reproducción, sobre lo que
le sucede a una obra de arte cuando se torna un objeto de producción masiva.
Tiene todos esos elementos en sí.
Todo el conjunto estético encaja completamente, no sólo el espacio,
la central de energía, el salón de turbinas del Tate Modern, también
han influido en muchos artistas visuales con los que hemos trabajado.
Es algo así como una consagración que se nos permita ingresar
al santuario interno de un arte curado,
porque es un reconocimiento a que lo que ellos hacen es atemporal
y representativo de nuestra cultura, como para que
deba fusionarse con, digamos, obras visuales, en su mayor parte.
El siguiente que ingresa al Tate Modern es Roy Lichtenstein
y ese es el mundo al que ellos pertenecen.
Ellos han tenido tanto impacto sobre el pensamiento cultural,
sobre las personas que hacen arte, sobre los músicos que crean arte.
Están más allá de tan sólo ocupar un lugar.
Marc Camille Chaimowicz,
un artista que está en nuestra exhibición "Bigger Splash",
ha usado su música y se ha inspirado en ellos.
Mark Leckey, que ganó el Turner Prize hace unos años,
también los cita como influencia.
Michael Clark, el coreógrafo,
quien siempre ha trabajado en todas las disciplinas, ama su música.
Hay muchos. Me refiero a que tantos artistas querían entradas
para venir a verlos aquí...
De hecho, el espectáculo de Kraftwerk es un espectáculo real,
pero no se basa en clichés.
Hay algo acerca de quedarse parados y quietos que es muy
fascinante también, como una destilación de representación,
porque los movimientos cursis en el rock, la forma de sostener la guitarra
de esa manera, el empuje de la ingle de ese modo, el sacudir la cabeza
y el modo de revolear el micrófono, es en última instancia ridículo y
monótono y sin sentido, que preferiría pensar, creo,
al final, ver la destilación de la quietud,
con todo eso sucediendo a su alrededor.
Pero es actuación, sabes, y es transfigurador.
Lo verdaderamente importante para nosotros,
era el aspecto visual de lo que están haciendo,
que está volviéndose cada vez más importante para ellos.
Y han puesto tanto trabajo en el show visual en 3D como parte de esto.
Les llevó años hacer que funcionara correctamente,
lograr que los robots funcionaran, hacer que todas esas cosas funcionaran.
La tecnología ha llegado al punto en donde puede mejorar cada vez más.
Así que es un espectáculo, es un concepto que puede continuar desarrollándose.
Creo que eso es lo que los impulsa, la fascinación por cuán lejos
pueden llegar con esa tecnología.
Kraftwerk surgió cuando Ralf Hutter conoció a Florian Schneider
en un curso de música improvisada en el Conservatorio de Dusseldorf en 1968.
Las primeras encarnaciones de la banda incluyeron un baterista en vivo
y un guitarrista que pasó a formar Neu!
Pero en el florecimiento
de la escena musical alemana del momento, la banda con la que tuvieron más en común
eran los experimentalistas electrónicos inspirados en la música clásica, CAN.
Los dos actos se presentaron juntos en una galería de arte,
y su primer concierto oficial fue una forma libre,
un show juvenil televisado en un club de Unna en 1970,
antes de que Kraftwerk hubiera lanzado un solo álbum.
En 1968 habíamos construido un pequeño estudio,
y ya antes ellos querían visitarnos en Dusseldorf. Esos eran Ralf y Florian.
Ninguno había grabado nada en particular, sólo estábamos empatizando con el otro,
y la conexión musical que tuvimos fue muy abierta.
Entonces se fueron a su casa, pero no tardaron en volver.
Eso sucedió unas pocas veces, y de repente se fueron...
Pierre Caroli, nuestro guitarrista, dijo, "Creo que no escuchamos todo de ellos,
porque Ralf tocando es muy sustancial, lo que está haciendo es sustancial",
reconoces eso rápidamente cuando improvisas con otro.
Nuestro show juntos en TV en Unna lo dejó bien claro.
Los Kraftwerk estaban en un escenario y nosotros en otro...
En ese tiempo tocaban con un baterista y diría que era algo muy pensado,
por cómo tocaban, en contraste con nosotros. Podíamos hacer eso también,
pero estábamos más comprometidos en hacerlo de una forma más libre...
La influyente prensa británica de rock agrupó muchas y variadas
bandas alemanas de esa era bajo un título peculiar que no daba indicio
sobre cuán veneradas e influyentes serían en las próximas décadas.
Existe todo este movimiento de, ya sabes,
el Krautrock, o como fuera que lo llamaran,
con Guru Guru, Ash Ra Tempel, Neu!, Faust, CAN y todo eso.
Y yo estaba en eso en aquellos días.
Todo eso del Kraut fue un poco burlón...
Era una visión muy diferente de esa música alemana.
Por varias razones se le dio un nombre ligeramente afectuoso,
protector, la cosa Krautrock.
Entiendo por qué las bandas alemanas que han venido a Inglaterra, o se han escuchado aquí,
fueron etiquetadas como Krauts, porque no coincidían con los estándares ingleses.
Ni CAN podía. A juzgar por las referencias que tenía Inglaterra,
nosotros éramos una banda mala. Cometimos muchos errores por eso...
Pero cuando la máquina calentó, al decir de los escritores ingleses,
cuando estas bandas teutónicas se soltaron, fueron imparables, derribando todo a su paso.
Parecían salir del
final de "Interstellar Overdrive" de Pink Floyd.
Seguían pareciendo hippies. Seguían sin asemejarse a lo que se convertirían.
En ese tiempo hacían música sin máquinas,
pero intentaban usar otras cosas. Sonaban casi como juguetes.
Obviamente ahora filtramos toda la idea de Kraftwerk
a través de lo que ellos se han convertido.
Pero hubo unos años en los que ellos todavía no eran así
y estaban convirtiéndose en eso. Siempre estaban "convirtiéndose".
No fue hasta más tarde que todo eso cambió, les llevó años,
y de repente todo se convirtió en algo positivamente conceptual.
El primer impacto con Kraftwerk para mí, supongo, fue ver la gráfica
de "Autobahn", porque eso era una revelación, en un sentido.
Porque habían destilado muchas cosas hasta ser sólo
un tipo de impresión de algo
y, de repente, parecía muy moderno.
Kraftwerk finalmente cristalizó su concepto en 1974 con "Autobahn",
su cuarto álbum.
La magnífica pista de 22 minutos, con letras por primera vez,
fue un éxitoso disco en EEUU, y los simples gráficos modernistas
señalaban una clara identidad visual que Ralf y Florian
estaban desarrollando con un colaborador de la escuela de arte, Emil Schult.
El gurú del diseño Neville Brody, ahora profesor en el Royal College of Art
de Londres, fue el diseñador gráfico más influyente de la década de 1980.
Su rol como director de arte del estilo biblia de la revista "The Face",
comenzó con su diseño de 1982 de una entrevista a Kraftwerk.
Él recuerda muy claramente el impacto de sus efectos visuales.
"Autobahn" es un interesante ejemplo en donde la cubierta del disco
se vuelve algo mucho más semiótico,
es un signo que está siendo traspuesto de un propósito a otro.
Y es decir algo así como que la música pop ya no necesariamente tiene que ser
auto referencial.
Puede mirar hacia otras ideas en la sociedad.
Gran parte de su trabajo en las portadas
giraba en torno a utilizarse como parte de la propia imagen
y no tomarlo muy en serio.
La portada de "Trans Europe Express"
fue una bofetada subversiva a la cara del rock elegante.
En el año del punk, el glamoroso blanco y negro hollywoodense
de las fotos muestran al grupo en pseudo ambientaciones y poses,
mientras que el poster a color afectivamente kitsch de Emil Schult
los muestra como caballeros urbanos yendo a almorzar un domingo
a un restaurante campestre, un broche con forma de nota musical en la solapa de Florian
es la única indicación de que no son contadores públicos.
Comenzaron a construir una conexión entre el dadaísmo,
el constructivismo y la música moderna.
La portada de "Man Machine" que Kraftwerk hizo estuvo muy
influenciada por la apariencia del constructivismo ruso
y nació de la idea de que el futuro
sería construido por ingenieros y científicos, y que, de hecho, nuestra fe
en la ingeniería era lo que iba a llevarnos a la Utopía.
Entonces, era del tipo de idea utópica.
Era extremadamente experimental.
Eran muchos ángulos,
una tipografía muy fuerte, que eventualmente terminó
en un tipo de espacio "Bauhaus",
que luego influyó todo lo que hacemos.
El constructivismo fue muy atractivo, muy poderoso.
Y la principal influencia dentro del constructivismo
fue un hombre llamado Alexander Rodchenko.
Y las portadas de Kraftwerk, en las primeras etapas,
se relacionaban mucho con una forma de mirar de Rodchenko.
Por lo que existía un tipo de ética heróica de los trabajadores.
Éstos también iban a ayudar a construir el futuro, el uso fuerte
del rojo y negro que eran, por supuesto, los colores comunistas…
El rojo y el negro eran también los colores de muchos
movimientos fascistas del siglo XX.
Por lo que Kraftwerk estaba jugando en ese terreno medio, para ser honestos,
ya sabes, ¿en dónde son auto-derrotadas las heroicidades?
Así, algo que es democrático se vuelve dictatorial.
El alcance del modo de pensar que Kraftwerk tenía dentro
de las portadas de sus discos era bastante radical.
De hecho eran, creo,
para muchos, las primeras portadas punk
y las primeras portadas del New Wave.
Factory Records claramente estuvo influenciado por esto,
como lo fue el trabajo inicial de Malcolm Garrett.
Así que tienes a "Autobahn" como esta declaración simplista.
"Autobahn" fue radical en su momento.
No existían otras portadas de discos como esta.
"Autobahn" ganó nuevos fanáticos de Kraftwerk, como Rainer Werner Fassbinder
y David Bowie, este último girando por Europa en un Mercedes vintage,
escuchando "Autobahn" sin parar
y diciendo a todos que Kraftwerk era su banda favorita, un acto
de patronazgo que cambió para siempre su estatus con la prensa de rock.
David Bowie, en los años '70, era como tu Google en ese momento.
Lo que David Bowie mencionara, allí era donde uno iba.
Bowie había alterado su trayectoria
explícitamente a causa de Kraftwerk,
y eso fue increíble, casi
como una campaña publicitaria para Kraftwerk, si quieren.
Un respaldo comercial,
y una sensación de que ahora todos
queríamos conocer la historia
de este increíble grupo que había
influido en el período más extraordinario
de la vida de David Bowie.
Para dejar horas del día libres para hacer ciclismo,
Kraftwerk trabajaba de noche, entrando puntualmente en su legendario
estudio de Dusseldorf "Kling Klang", como obreros en una fábrica de sonido.
Los álbumes que produjeron allí sonaban como nadie más lo había hecho,
en parte porque habían desafiado a los técnicos a desarrollar nuevos
instrumentos para ellos, equipos no disponibles para nadie más.
No puedes ir a una tienda y decir "Quiero comprar estas cosas",
así que tuvimos que hacerlas nosotros. Siempre nos arreglábamos solos,
con otro amigo que es ingeniero de sonido. Con él construimos nuestro equipo.
Y la anhelante belleza romántica de la música
que ellos crearon con ese equipo, hizo pedazos la idea errónea
de que la música electrónica era emocionalmente frígida.
Ideológicamente, era en el blues
y en el rock donde residía la autenticidad.
Y aún existía, lo que es extraño,
una respuesta problemática hacia las máquinas.
Había como un alma en eso de sostener un instrumento de madera
y, en algún sentido, carencia de alma en tener una máquina.
Pero siempre sentí que eso era casi lo opuesto, que eso enfatizaba
y enmarcaba e iluminaba el alma que había en Kraftwerk.
Esa delicadeza, esa verdadera humanidad.
Porque ellos estaban preparados para lidiar con máquinas
y usarlas para distribuir sus ideas e información.
Ellos fueron genios extraordinarios con la melodía
y fue ésta la que llegó a través del alma.
Kraftwerk no fueron los primeros, pero los consideramos así,
para entender el potencial de las máquinas electrónicas
y el estudio y la combinación de ambos,
para crear música popular.
Y, por supuesto, todo lo que sucedió
desde que Kraftwerk ha sido una continuación de eso.
Tomen a sus rivales más cercanos en términos de presencia icónica,
diríamos los Beatles.
Bueno, los Beatles en realidad no influyeron a nadie.
Influyeron a Elton John y George Michael
y Take That y quizás a ELO, como mucho...
Pero en realidad no influyeron en nada.
Es casi como que eso era ya algo conocido, en cierto punto.
Kraftwerk constantemente libera información.
Ellos influyeron en el final del Avant-Garde,
en la salida,
e incluso todo el camino hasta terminar cuando todo comenzó a desintegrarse,
e incluso en las áreas más duras y extrañas del dubstep.
Pero también se los oye en Kylie Minogue y en lo más popular.
Se escucha el fantasma de Kraftwerk por todas partes.
Y ese es otro maravilloso elemento de Kraftwerk,
ellos cautivan la imaginación,
cautivan al mundo.
A medida que la luz se apaga y miras hacia fuera, puedes ver
una representación visual del sonido de Kraftwerk.
Para mí, la banda sonora que usaría para representar esto
sería Kraftwerk.
La impronta de Kraftwerk con lo nuevo era que ellos habían
producido algunos sonidos maravillosos.
Kraftwerk fueron los poetas de eso, en un sentido.
Una exquisita novedad de lo que el sonido podía lograr y ser
y cuán seductor podía ser.
La genialidad de Kraftwerk, en un sentido, no fue sólo darle el ritmo
que gustaba a la gente, que entendía que era
atractivo porque era un ritmo maravilloso...
Además aplicaban un bello sentido melódico,
que no era sólo un entendimiento de la melodía dentro de la música popular
o música rock, sino un entendimiento de la melodía que se remontaba a siglos.
Y en ese sentido, siempre sentí que ellos eran músicos clásicos,
cuyo genio era comprender esa música popular
y el uso del estudio, que de hecho era donde
los nuevos desarrollos estaban teniendo lugar en la música.
Kraftwerk entendía que el estudio era tan importante como un instrumento
y la llegada de un instrumento como lo fue el piano en tiempos de Mozart.
No sólo estamos viendo uno de los actos seminales en la historia
de la música electrónica, sino que, se podría decir,
es uno de los más poderosos,
inspiradores y, por lo tanto, uno que probablemente
se vuelva tan legendario
como Mozart y Bach,
algunos de aquellos compositores
cuyo trabajo y música reverenciamos cientos de años después.
Ahora veo eso. Indudablemente.
Sin ninguna reserva.
"Trans Europe Express",
un ritmo poderoso que surgió de una sesión improvisada como un tren
estrellándose a través del estudio, vio el endurecimiento de la percusión
de su sonido, y se convirtió en un disco pivote en el nacimiento de la cultura DJ.
"Trans Europe Express" fue el único disco que Grandmaster Flash
tocaría ininterrumpidamente y, visitando un club en Nueva York,
los Kraftwerk quedaron asombrados y complacidos al escuchar al DJ
haciendo un loop de "Metal On Metal", tal como ellos lo harían en el estudio.
Pronto sus sonidos únicos comenzaron a resurgir,
desmembrados y fuera de contexto, por todos lados, formando un tema
recurrente en toda pista de baile afroamericana, desde DC Go-Go
al tecno de Detroit, hasta que eventualmente estos duros alemanes se convirtieron en
los blancos más influyentes en la historia de la música dance.
Lo fantástico de todo esto es que, primero,
toda la música blanca que tomó prestado cosas
con tanta libertad de la música negra, no devolvió nada.
Kraftwerk… básicamente, en nombre de todo el mundo blanco,
ha pagado parte de la deuda que se le debía a la música negra.
Dio tanto a la música blanca que melló
en el rock and roll y todo lo que vino
y fue tanto, y eso fue una forma horrible de colonización cultural,
y Kraftwerk, de un modo más suave y liberal, lo ha devuelto.
Habiendo pasado sus años adolescentes escuchando
Krautrock en Estrasburgo, Francois Kervorkian se mudó a Nueva York
a mediados de los '70, y consiguió trabajo tocando la batería junto a DJs en un bar.
Luego pasó a convertirse en uno de los más populares DJs independientes de EEUU,
y uno de los remezcladores más ocupados en la década de 1980,
trabajando con todos, desde leyendas de culto del dance como D Train
y Dinosaur L, a titanes exitosos como U2 y Depeche Mode.
Francois K fue el primer foráneo creativo en penetrar
el círculo íntimo de Kraftwerk, convirtiéndose en su mezclador.
Años antes, había sido testigo de su extraordinario impacto
en la cultura dance.
Creo que lo asombroso sobre Kraftwerk es cuán multiculturales
son, cuán fácil toda esa música se trasladó al público negro.
Lo consiguieron, así...
Los que en Nueva York comenzaron a escuchar estos discos extraños
que venían de Alemania a mediados de los años 70,
quizás vieron y escucharon su ciudad en esta música
tanto como cualquier otra música que estaban escuchando.
Porque era tan bellamente rígida y repetitiva,
por lo tanto tan maravillosamente rítmica.
Y la idea de que se podía reemplazar al baterista con una máquina,
pero que ésta te daría esta increíble
perspectiva de la movilidad del funk…
Era esa rigidez lo que lo hacía funky, era como algo lineal...
Era casi como un electrocardiograma para el hospital.
Era como…
Y fue como, "Esa mierda es buena".
Era tan limpia, tan exacta
y tan perfecta que tenía que ser funky.
Y ver a estos tipos, estos tipos blancos y erguidos
llevando estas corbatas y camisas y pantalones verdes
y todo este aspecto andrógino.
Era tieso, pero era funky.
Era justo lo suficiente de esto en medio de aquello para hacer que funcione.
¡"Trans Europe Express" era tan funky!
Como en un gran sistema de sonido y todo eso
y esos sonidos metálicos y todo.
Era como, deslizarse...
La gente decía cosas como: "¡Ey, hombre, estoy volando! ¿Qué es esto?"
Toda esta gente bailando "Trans Europe Express" en el verano de
1977, justo después de Barry White y Marvin Gaye y Salsoul Orchestra.
Y para estas personas, para esa multitud,
nadie los rechazaba...
La gente decía, "Wow, eso que estás tocando, es raro,
¿qué es eso?"
Pero lo amaban.
Y creo que incluso más con "Computer World".
Donde, obviamente, "Numbers" era como…
Cuando "Numbers" salió, era como, olvídalo...
Quiero decir, como, ¡wow!
Cuando hablamos de hip-hop, existen diferentes tipos.
Me refiero a que está la parte downtempo,
los latidos funky y todo eso,
pero "Planet Rock" se parecía más a...
Casi como proto-tecno, en un sentido.
En sus éxitos hip-hop,
"Planet Rock", "Looking For The Perfect Beat" y "Renegades Of Funk",
Afrika Bambaataa fusionó ritmos de "Trans Europe Express" y "Numbers",
con tanta similitud que Kraftwerk terminó recibiendo regalías.
Eso era obviamente algo que Arthur Baker
y John Robie hicieron como equipo de producción.
Creo que esa fue una movida genial de su parte,
porque tomaron estos dos elementos muy fuertes
y lo convirtieron en algo que era tan irresistible.
Supongo que la historia validó ese disco en particular como siendo el que
de algún modo ayudó a comenzar todo el movimiento electrónico.
El álbum y la gira "Computer World"
mostró a Kraftwerk entrando en los '80 en un punto más alto que
el álbum "Electric Cafe" de 1986 no pudo igualar, y fue irónico, ya que al otro año
su influencia estaba a punto de explotar de nuevo, en Detroit, en todos lados...
Un grupo de productores locos por Kraftwerk conocidos como los "Belleville Three",
Derrick May, Juan Atkins y Kevin Saunderson, estaban perfeccionando
un nuevo tipo de beat que pronto se conocería como "tecno".
Sólo he visto a Ralf Hutter y a Florian Schneider una vez.
Eso fue en Detroit, hace 15 años, seguro.
Fue un gran concierto para ellos,
fue casi como un reinicio de sus carreras.
Y estaban tan felices de estar allí
y agotaron las entradas de un lugar para 7 mil personas.
Fue un espectáculo asombroso, fue un momento increíble,
la energía era increíble.
No eran sólo intelectuales que estaban allí para oírlos tocar.
Eran niños.
Esto era increíble para ellos porque estaban tocando para fanáticos...
La gente amaba
la música y gritaba y hacía ruido
y este fue, creo, un show muy importante para ellos.
Fue como un escalofrío por la columna de todos
los chicos de Kraftwerk, hacerlos
darse cuenta de que tenían una segunda vida
y Detroit era el lugar donde había comenzado. No éramos sólo nosotros,
era todo Detroit, Michigan, todo Cleveland,
todo Chicago.
Los negros, hombre, quedaron encantados con esta música.
En la radio, en la radio diurna, en Estados Unidos, se podía oír
"Pocket Calculator", del álbum "Computer World", Janet Jackson,
Rick James y una canción de Prince, todo en menos de 30 minutos.
De verdad estaban disfrutando del hecho de que los negros
habían sido seducidos por esta música.
Incluso George Clinton estaba explorándola.
Ya sabes, digo, vamos, hombre...
Tienes a los hombres más negros de los negros amando esta mierda
en medio de Detroit, Michigan.
Esto era increíble. Era más que música tecno.
Eran creadores de un género que no tuvo nombre hasta que llegamos.
Hasta entonces era sólo asombrosa música electrónica para estos tipos.
Y desearía que no fueran parte de la música tecno, por ellos.
Deseo que no tuvieran que ser parte de eso,
porque mucha música tecno es una mierda.
Muchos de los tipos que la hacían no merecen
que sus nombres estén al lado de Kraftwerk.
Mira la portada de "We Are The Robots".
Ellos jugaban con esta cosa algo así como sexual.
Era como que la disfrutaban.
"We Are The Robots" fue algo así como
su momento de aparecer como un grupo creativo y andrógino.
Nadie sabía con seguridad si estos tipos eran gays o heteros.
Y creo que realmente estaban disfrutándolo.
¡Somos los robots, demonios sí!
Era tan funky sin ser funky.
Era como… ¡Wow!
Es difícil de explicar.
Me refiero a que la línea del bajo de "Computer World", ya sabes,
eso era increíble, hombre. "It's More Fun To Compute"…
Estas canciones, hombre, eran como... ¡Mierda! ¡Esa mierda estaba ardiendo!
"Computer World" fue el álbum
en que supieron que podían hacer todo lo que quisieran hacer.
Todo lo que soñaron hacer,
finalmente podían hacerlo, y lo sabían.
Ese fue el álbum con el que pudieron atravesar la pared.
Y lo hicieron.
El aspecto composicional de cómo parte de la música de Kraftwerk
está estructurada nunca deja de asombrarme.
Creo que las melodías son muy atemporales.
Y un buen ejemplo de eso es, obviamente,
el sacarse el sombrero de Coldplay.
Ellos eran grandes fans de las melodías de la banda
y cuando crearon esa canción, definitivamente fue un tributo,
sacarse el sombrero o decir: "Wow, los amamos tanto".
¿Todos bien?
Para una banda así es quizás la mejor manera
de mostrar aprecio.
Creo que eso abrió su música a toda una nueva era de grupos y público
que, de otra manera, no podría haber estado al tanto de ellos.
Saber de de Kraftwerk no quería decir que a esta nueva
generación de fans les sería fácil conseguir entradas para los
conciertos en el Tate Modern.
Con nueve de diez solicitudes rechazadas,
los jóvenes devotos organizaron una fiesta "Kraftwerk" a mitad de semana en
Bethnal Green, entonces de moda, para coincidir con los espectáculos del grupo.
Esta noche nació de la frustración que sentí,
en lo personal, al haberme quedado al teléfono por nueve horas tratando de
conseguir una entrada para ver a Kraftwerk en vivo en el Tate…
Sentíamos que queríamos tener una noche explorando la música
y los efectos visuales.
Sólo queríamos hacer algo para aquellas personas, incluyéndonos,
que no consiguieron entradas, básicamente.
Mi novio, que está tocando justo ahora, pasa mucho tecno
y mucho minimal house y música dance
y yo llego a Kraftwerk desde un ángulo Krautrock
y entonces esa es una de las cosas con la que pudimos conectar.
Estoy en el tecno de Detroit y ese es el tipo de cosas
que toco y fue como redescubrir Kraftwerk.
Ellos están acostumbrados a muchas pistas influyentes que la gente escucha
una y otra vez, sin importar su edad o qué tipo de música
estén escuchando.
Por lo que constantemente van a ser redescubiertos,
y siguen sintiéndose nuevos, aún cuando hayan estado allí por casi 40 años.
La dificultad de conseguir entradas para Kraftwerk empalidece en comparación
con la de acercarse a la banda.
Al considerarse como simples trabajadores en la industria del sonido,
rechazaron el culto a la personalidad desde el día uno
y se sienten desconcertados ante la fascinación del público
con sus vidas privadas.
Rechazaron todas las colaboraciones de superestrellas,
incluyendo un ofrecimiento de Michael Jackson,
y cuanto mayor se volvía su fama, más
se retiraban de la mirada pública, el sudario impenetrable del
silencio mediático sólo alimentando el aura de mística que los rodea.
Nadie sabe esto mejor que Peter Boettcher,
quien ha sido el fotógrafo favorito de Kraftwerk desde finales de 1980.
Como ellos mismos no querían posar para las fotografías,
él principalmente tomaba fotos a sus robots.
Con Kraftwerk lo importante no son las personas sino la obra.
Y los robots que he fotografiado representan el trabajo artístico de Kraftwerk.
Eran bastante cuidadosos para nunca ponerse en una posición
en donde estuvieran siendo mantenidos prisioneros por los medios.
Ellos decidían cuándo querían que los medios… los hicieran prisioneros.
Decidían cuándo querían que la industria se inclinara hacia ellos.
Eso es realmente importante,
especialmente en la era actual en la que todos están en Twitter
y Facebook y compartiendo cada detalle de su vida privada.
Fui al baño hace dos minutos
y ahora voy a ir a lavarme los pies.
Creo que después comeré un poco de spaguettis
y quizás iré al cine.
Como si eso realmente fuera importante. Como si tu vida realmente fuera
tan importante que otra gente necesita saber cada detalle.
Cuando miras la línea de tiempo de personas como Mozart
y compositores clásicos y todo eso, lo que queda de ellos
es eso, la música, sus composiciones,
las cosas que crearon, y el resto es sólo trivial.
Trato de retratar la metamorfosis. El hombre-máquina es el tema principal,
y eso se expresa en mis fotos, en las que nunca estás seguro de quién estás viendo.
Hay una foto en la exhibición, que tomé en Manchester,
donde la fusión de hombre y máquina finalmente ha llegado al presente.
Las personas ya no ven el concierto por ellas mismas,
lo hacen a través de sus smartphones mientras lo filman.
Para mí esa es la consumación del hombre-máquina.
Los temas que componen toda la música de Kraftwerk,
los viajes, la comunicación y la armoniosa coexistencia del hombre,
la naturaleza y la tecnología, son impulsados por la dinámica del movimiento hacia delante.
Nada encarna mejor esto que su pasión por el ciclismo,
que produjo el éxito masivo de 1983, "Tour De France",
y su último álbum en estudio.
Eran la encarnación de la emoción
y el movimiento del siglo XX.
Destilándolo en estos maravillosos pequeños haikus casi electrónicos.
Siempre pienso en ellos como historiadores, en un sentido.
El seguimiento de lo que sucedió en el siglo XX, en términos de
velocidad, movimiento, tecnología, la relación entre
humanos y máquinas, que era cada vez más un problema.
En ese sentido, ellos también eran comentaristas culturales, eran
grandiosos, ya sabes…
Eran como Roland Barthes o Walter Benjamin, diagnosticando lo que
pasaba alrededor y comprimiéndolo en esta breve y delicada poesía.
Lanzados en la era del glam rock y los hippies, con pelo corto,
trajes, voces y elegancia industrial alemana, el estilo de Kraftwerk era
siempre provocadoramente radical, pero nada alborotó tanto
el gallinero de la Europa izquierdista como el álbum "Computer Wold" que, cuando
aún no había computadoras personales, hizo cantar a las herramientas opresivas.
Mucho antes de que existieran los teléfonos celulares,
y con letras que anticipaban el lenguaje cortante de los mensajes de texto,
ellos anunciaron que la computadora pronto nos conectaría con
el mundo, y percibiríamos todo a través de un brillo fantasmal
de pixeles y una banda sonora generada por máquinas.
Los Kraftwerk estaban al tanto, en un sentido, del futuro que nos ha llevado
a Google, Apple, Facebook y Twitter.
Pero además, a causa de su comprensión del arte mundial,
también sabían que si había demasiada tecnología,
habría una pérdida del alma, del lado humano.
Kraftwerk tenía una visión realmente interesante del futuro,
que era nostálgica.
Y siempre usaron las expresiones pasadas de esperanza,
que habían desaparecido, como su lenguaje principal.
Ahora estamos embebidos en un tipo de futuro que ellos parecieron predecir.
No fueron específicamente correctos en cuanto a los detalles,
y en alguna medida, estaban imaginando los 50s o
los años 20 como cualquier otra cosa,
pero fueron los más cercanos en comprender
lo que iba a suceder.
El enfoque de Kraftwerk, a la vez extremadamente gentil y puntilloso
y continuo y cuidadoso,
es un enfoque revolucionario.
Lo que hacen no es provocar sacudidas cortas y filosas,
sino una revolución global en la forma en que trabajan.
Y esa es una historia de nunca acabar.
Kraftwerk tiene aún un gran potencial. Si digo que poseen una modernidad infinita...
Puedo ir más allá y decir que Kraftwerk es tan vanguardista
que aún tiene mucho por descubrir.
Es gracioso, los críticos de rock se lamentan, de un modo tan anticuado,
que sólo quede un miembro de Kraftwerk,
como si fueran los Dave Clarke Five o los Sweet o The Tremolos o algo así...
Pero no importa quién es Kraftwerk.
Kraftwerk mismo es la obra de arte.
Es un poco como gimotear que cuando ves un Picasso,
allí no está Pablo Picasso.
Bueno, no, él está muerto.
Cuando todos los miembros de Kraftwerk hayan muerto,
Kraftwerk seguirá existiendo como obra de arte.
Estás mirando una vívida,
una exultante exhibición de arte electrónico histórico.
La calidad de sonido, la producción, eso es el futuro.
Sólo escúchalo y guárdalo,
hazlo parte de una clase de historia.
Ponlo adentro…
Tienes las canciones de Duke Ellington y Miles Davis,
ponlo junto a eso.
La música disco y Kraftwerk, ponlos juntos
y allí tienes la historia completa de la música desde mediados de los '70.
Sigo recordando la primera vez que escuché "Trans Europe Express",
la primera vez que escuché "I Feel Love", de Donna Summer.
No hubo vuelta atrás.
Quiero decir, una vez que oías eso
y lo comparabas con todas las otras cosas, sólo decías:
"Ok, la fiesta terminó. Está hecho. Ellos ganaron".
Para aquellos de nosotros que éramos fanáticos,
que nos uníamos lealmente a los colores de Kraftwerk
en los años '70 y '80… también hemos tenido razón en nuestro gusto.
¡Teníamos razón!
Me gustaría agradecer mucho a Kraftwerk.
Esas son mis palabras.
Gracias por la oportunidad de crecer con su música.
Cuando quiero relajarme, cuando quiero mirar el ocaso,
cuando sólo quiero conducir mi auto por una distancia larga y recta,
y realmente rápido, esa es la música que necesito para refrescarme
de toda la mierda del mundo.
Necesito recordarme el nivel de calidad que hubo una vez.
Y le diría, a cualquier joven de hoy,
que necesitas apagar la computadora y el televisor
por un rato y sólo cerrar los ojos y ver lo que ves.
Porque podrías verte a ti mismo.